Para entonces la música empezó a alejarse del principio de imitación de la naturaleza para dirigirse hacia un lenguaje más autónomo, y tras diversos intentos de aplicación de la retórica a la composición musical, se adentrará en la representación de las pasiones, explorando todos los recursos que la expresión le ofrecerá para cultivar la libertad creadora. Este arte, en consecuencia, se abrió a un público más extenso y dejó de limitarse a los círculos selectos y restringidos de los palacios de los mecenas y los salones.

Esta revolución de la sensibilidad mostraba el deseo de las nuevas generaciones, inclinadas hacia un hedonismo enfrentado al pesimismo del siglo XVII, cuyos lienzos eran emblemas de la destrucción inexorable del paso del tiempo.

En lo que concierne a la pintura resultó también un tiempo de grandes cambios. Las transformaciones van desde la consideración del artista, que deja de ser menospreciado por su trabajo manual y mecánico y pasa a equipararse a los literatos, hasta una profunda revolución en la estética pictórica que soslayó el principio de mimesis y, en cierto modo, se liberó de la sujeción a las normas de la Academia buscando nuevas formas, entre las que destacan el paisaje y las naturalezas muertas. Los salones de pintura marcarán el inicio de una profunda evolución en lo que se refiere a la consideración de este arte. A partir de 1725, los miembros de l’Académie royale de peinture et de sculpture creada en 1648, comenzaron exponer en el Salon carré del Louvre. Es de notar que los salones tendrían lugar regularmente desde 1737, se inauguraban el veinticinco de agosto día de San Luis, la onomástica del rey, y permanecían abiertos de tres a seis semanas. Constituían un auténtico éxito de público y generaban una gran cantidad de literatura sobre la pintura: los Salones de Diderot serían los que iban a abrir el camino de la crítica moderna.

Así fue forjándose una nueva sensibilidad para las artes. Esta revolución de la sensibilidad mostraba el deseo de las nuevas generaciones, inclinadas hacia un hedonismo enfrentado al pesimismo del siglo XVII, cuyos lienzos eran emblemas de la destrucción inexorable del paso del tiempo. Es un tiempo de búsqueda, de desear la felicidad, una época de gusto por lo decorativo y de satisfacción del sentido visual. La pintura perseguirá la consecución de estos objetivos por medio del color, del dibujo y de la composición. Efectivamente, durante la Ilustración se produjo un cambio de sensibilidad, dominada por la idea de una “douceur de vivre”, como atestigua la literatura de la época. No es extraño que en la primera página de los Essercizi de Domenico Scarlatti de 1729 se lea: “Vive feliz”.

Todo ello conduce, en cierto modo, a una valoración de la imaginación, de la ilusión y de la ficción. El siglo XVIII se sumerge en las atmósferas del juego y de lo imaginario, en esa zona donde el pensamiento parecía oscilar entre la realidad aparente y esas fuerzas de lo irreal que escapan a la estricta racionalidad.

¿Cuál es la tradición en la que se generan las naturalezas muertas? Tal vez, una de las reflexiones que mejor pueda introducirnos a la sutileza y al simbolismo de estos cuadros, y que capte plenamente la riqueza y complejidad de este tema, sea la de Marcel Proust, quien jamás cesó de pensar sobre el arte: “La naturaleza muerta se convertirá sobre todo en la naturaleza viva. Como la vida, siempre tendrá algo nuevo que deciros, algún misterio por revelar; la vida diaria os encantará, si durante algunos días habéis escuchado su pintura como una enseñanza; y por haber comprendido la vida de su pintura, habréis conquistado la belleza de la vida.”