Ceci est un des problèmes essentiels de l’art de notre temps. En ce moment, je suis en train d’écouter de nombreux chanteurs dont j’ai besoin pour des projets futurs et je m’étonne en constatant le peu d’émotion qui existe. J’ écoute et je me demande : qu’est-ce-qu’il y a ici ? C’est un problème grave. Et c’est la société même qui l’apporte, cette société sophistiquée remplie de moyens efficaces comme le téléphone portable ou Internet, dans laquelle il est impossible d’établir des relations personnelles qui ne soient pas superficielles. D’ailleurs la société est de plus en plus déshumanisée et cela se projette sur les musiciens.

Chez les compositeurs aussi ?

Cela est une autre histoire, une histoire très complexe. Les compositeurs se sont détachés de l’évolution de la musique. Le compositeur a évolué d’une façon très différente de celle de l’écrivain ou du peintre. A n’importe quelle époque, une œuvre grecque classique a été considérée, et avec raison, une œuvre d’art. Par contre, si nous lisons des opinions du siècle dernier sur des compositeurs baroques, ou si nous lisons Stendhal (qui parle de la musique baroque avec un mépris et une méconnaissance absolus, ne la considérant pas une œuvre d’art satisfaisante), nous constatons qu’ils croient que la musique commence à ce moment-là, au XIXe siècle. Et ce manque de perspectives à conditionné la musique postérieure. C’est à dire que la musique à évoluée en rompant avec ses racines. Les rares compositeurs qui n’ont pas rompu avec elles, ont su regarder en arrière (Bartók, Falla, Stravinsky), même dans le cas de ceux qui se sont détachés de la tonalité, mais sans en renier l’évolution antérieure. Ceci est un aspect. Mais ce qui est plus grave, c’est que la société elle-même a fait que le compositeur demeure isolé. Maintenant on ne commande plus de messes, ni de motets, ni de compositions dominicales, et encore moins pour le théâtre, ou alors de loin en loin et avec une projection quasi locale. Ce qui fonctionne, c’est la musique de consommation mais dans la musique, pour nous comprendre, classique, il existe un divorce total entre la société et l’auteur. Et il y a encore un autre facteur qui est, je crois, très important. Il y a une surpopulation de compositeurs, une disproportion entre les besoins réels de la société et la quantité de musiciens qui composent pour cette société.

En premier lieu, l’authenticité est un moyen. L’ objectif est de faire parvenir la beauté de la musique au plus grand nombre possible de personnes, ce qui est possible par l’intermédiaire des disques. Avec un concert, on atteint un nombre limité de personnes, même s’il y a beaucoup d’assistance. Avec un enregistrement on atteint tout le monde

Revenons à l’option que vous représentez. Que pensez-vous des chefs d’orchestre comme McCreesh, Harnoncourt ou Gardiner, qui n’ hésitent pas à empoigner leur baguette face à des groupes symphoniques traditionnaux ?

Moi-même, j’ai dirigé occasionellement des orchestres traditionnels, même s’il ne s’agit pas pour moi d’une activité essentielle. Si l’occasion se présente, pourquoi ne pas l’expérimenter ?

Lui donnez-vous une valeur positive ? Croyez-vous que cette activité a influencé l’interprétation traditionnelle des formations symphoniques ?

Je crois qu’il y a un mouvement absolument irréversible par rapport à la façon d’aborder des musiques déterminées. Cela est indéniable. Mais l’option interprétative n’est pas seulement donnée par la qualité des instruments, mais aussi par la façon de les interpréter, et on doit en tenir compte. C’est pourquoi l’interprétation d’un chef d’orchestre chevronné sera toujours plus satisfaisante.