Je crois que lorsque vous jouez avec les bons outils (avec les bons instruments) il est évident que vous apprenez beaucoup. Un bon instrument, et un bon interprète, vous en dira long sur les possibilités et les limitations de l'interprétation musicale. Vous pouvez imiter les éléments de l'interprétation baroque sur des instruments modernes, mais cela restera une imitation. Il n'y a rien qui puisse vraiment équivaloir à la chose réelle : l'utilisation d'instruments baroques actuels ou de bonnes copies. Mais simplement jouer sur le bon instrument (ou même bien jouer) ne suffit pas. Durant les 40 dernières années, la façon de jouer de ces instruments s'est considérablement améliorée (tout du moins la technique a évolué); mais la préoccupation de savoir pourquoi nous nous en servons n'est plus la même. Dans les années 1960 et 1970, quand j'étudiais avec Leonhardt, tous les étudiants s'intéressaient à la lecture de traités, et à l'examen des sources originales ; ils étaient avides de tout savoir. Mais de nos jours, je remarque que beaucoup de bons interprètes sont de moins en moins intéressés par les sources. De grands musiciens comme Harnoncourt, Leonhardt, Brüggen, moi-même et d'autres, ont fait d'importantes découvertes ; et les jeunes interprètes semblent satisfaits de dépendre de ces découvertes. Ils s'en vont et jouent de la musique tout en se basant sur ce que les générations précédentes leur ont appris ; bien souvent ils ne se soucient pas de faire leurs propres recherches. Je pense que c'est dangereux car si nous nous trompons, la génération suivante devrait trouver nos erreurs et les corriger.

Bien sûr, quand vous étudiez les anciennes sources, vous finissez par en tirer ce qui correspond à votre personnalité, mais vous devez être vigilant ; vous ne pouvez pas introduire quelque chose qui n'y figure pas du tout. Si toutes les sources baroques parlent en détail de l'articulation et de son importance, vous ne pouvez pas purement et simplement rejeter cet élément ; et il en va de même pour le vibrato. Il faut travailler sur la base de ce que les sources vous disent, et penser à comment l'appliquer.

Et les instruments eux-mêmes vous apprennent beaucoup. Les limitations des instruments baroques pour jouer dans différentes clés (comme les clés plus couvertes ou plus ouvertes sur le hautbois baroque) vous enseignent quelque chose, et pas seulement sur les techniques d'interprétation. Donc, même si j'ai parfois interprété la musique de Bach avec des orchestres modernes, je continue de croire qu'il n'y a rien de mieux que les instruments baroques pour la jouer.

Comment voyez-vous votre rôle en tant que chef d'orchestre: dictez-vous une interprétation prédéterminée à vos musiciens ou créez-vous une interprétation en collaboration avec eux ?

Si je travaille avec mon orchestre, c'est en collaboration avec mes musiciens, mes amis. La dernière décision est toujours la mienne, et tout le monde l'accepte. Mais si vous jouez avec des musiciens fantastiques et qu'ils viennent vous voir avec une question ou une idée, cela serait stupide de ne pas les écouter, et de ne pas les prendre au sérieux. Je suis aussi musicien de chambre, et c'est passionnant de travailler avec de grands musiciens ; donc j'écoute évidemment ce qu'ils ont à dire. Mais si je ne suis pas convaincu par leur idée, je continue à ma manière ; et ils l'acceptent.

Je pense donc qu'en général le chef d'orchestre doit écouter les musiciens, devrait essayer de tenir compte de leurs suggestions -mais ensuite il ne doit jamais craindre de se tromper, et de faire à son idée.

Quand je travaille avec un orchestre moderne, il n'y a pas de discussions et je prends les décisions tout seul. Un orchestre baroque travaille différemment. Ils jouent avec vous parce qu'ils vous apprécient et prennent du plaisir à jouer avec vous ; vous êtes en général tous des amis. C'est donc une autre manière de faire de la musique, une manière que je préfère.

Quand je travaille avec un orchestre moderne, il y a également un certain élément didactique. Dans les années 60, je m'étais plaint, ainsi que d'autres personnes, des orchestres modernes qui interprétaient la Matthäus-Passion avec 300 personnes dans le chœur et une double section de bois ; nous disions que c'était une honte, qu'ils ne devaient pas faire cela ainsi. De nos jours, beaucoup d'orchestres réduisent leur taille quand ils interprètent cette musique. L'année dernière, j'ai joué la Johannes-Passion avec le Wiener Symphoniker et j'ai pu le faire avec six premiers violons nous avons réellement pu réduire l'ensemble. En général, je crois qu'il y a aujourd'hui beaucoup plus d'ouverture de part et d'autre, et il est important que des spécialistes aillent dans des orchestres modernes et essaient de leur apprendre comment interpréter cette musique. Bien sûr vous êtes là pour faire de la musique avec eux pas seulement pour intervenir en tant que professeur ; mais vous devez en principe partager avec eux vos sentiments et vos connaissances sur cette musique. Je le fais relativement souvent et j'aime beaucoup cette expérience. Mais quand vous travaillez avec votre propre orchestre, vous n'avez pas besoin de tout expliquer. La plupart des choses sont claires, autant pour vous que pour eux ; et quand vous jouez avec des gens depuis longtemps (certains musiciens jouent avec moi depuis 30 ans), ils comprennent à demi-mot ce que vous attendez d'eux ; vous pouvez alors vous centrer sur des points plus précis et rendre l'interprétation plus belle, plus intéressante. Ces musiciens ont également appris à m'anticiper : ils savent que j'aime les trilles, ils savent que j'aime les hemioles, ils les ajouteront donc avant que je ne le leur demande.